13/31 Magnetic Rose (in Memories) - Koji Morimoto- 1995- Japon- de 39'18" à 39'21"

 Attiré dans une station spatiale abandonnée par un signale de détresse s'étant révélé être le chant d'une diva d'opéra, un spationaute, au moment de la rejoindre, découvre qu'il a été piégé: la chanteuse et son palais ne sont que des hologrammes projetés par l'ordinateur central sans doute endommagé. Il tente de fuir, mais  autour de lui tout commence à s'effondrer et disparaître.

             

   Pour donner corps aux rêves et aux cauchemars de la science-fiction, aucun mode d'expression ne peut concurrencer le cinéma d'animation. Si en occident, ce médium à l'heure de son industrialisation, n'a guère embrassé ce genre, tenu en laisse par les modèles hérités de Disney, il en va tout autrement du Japon. Là-bas, dès les années 50, la rencontre de la bande-dessinée et de la SF, séduit immédiatement un vaste public, tout naturellement friand par la suite des déclinaisons animées de ces séries.

                Avant les effets spéciaux photoréalistes, ou le succès de La guerre des étoiles, il existait déjà une science-fiction animée japonaise dotée d'une identité originale, forte, ne devant presque rien au cinéma hollywoodien de l'époque. Robots géants ou gentils androïdes étaient alors ses héros dessinés. Fort d'un succès commercial jamais démenti, la SF dessinée de l'archipel, forte de son audience grandissante, est devenue un continent créatif, méconnu des seuls spectateurs trop ethnocentrés, et riche de sensibilités extrêmement diverses. Des aventures de petits robots destinées aux enfants, aux courts-métrages expérimentaux peu narratifs, les animateurs japonais, une fois accepté le principe d'œuvrer dans une industrie majoritairement très pauvre, jouissent d'une liberté totale.

                Koji Morimoto est sans aucun doute un de ces génies dont le bouillonnement créatif s'accommodera plus ou moins bien des contraintes du support sur lequel il est invité à s'exprimer, mais qui parviendra néanmoins à chaque fois à donner le sentiment d'avoir su libérer son imagination sans entraves. L'industrie dictant ses lois au Japon comme ailleurs, ce n'est pas dans le cadre des formats de productions les plus classiques que Morimoto trouvera les terrains d'expression les plus fertiles. Son nom, il faut le traquer au générique de clips vidéos,  de démos de projets avortés ou d'épisodes complétant des anthologies. C'est justement dans ce contexte qu'on le retrouve ici, à travers un plan de Magnetic Rose, segment qu'il dirige pour Katsuhiro Otomo dans le film omnibus Memories.

                Morimoto, comme beaucoup de réalisateurs profondément imprégnés de culture plastique n'a pas une sensibilité très narrative. Contrairement à d'autres, il ne fait guère de concessions dans ce domaine, et n'est jamais aussi à l'aise que lorsqu'un prétexte lui permet de développer une série de visions. Sur une durée trop longue, ses films risqueraient de prendre des allures de catalogue onirique invertébré. A l'inverse, libre de choisir, Morimoto trouve naturellement dans le moyen-métrage l'espace idéal à son inspiration.

                L'espace est justement le décor de Magnetic Rose. Même si l'esthétique de prédilection de Morimoto est plutôt le cyberpunk. Il parvient ici à mêler les deux. Dans le plan cité, les étoiles apparaissent à travers les trous du décor qui s'effondrent. Nous sommes dans une station dérivant dans l'espace. Au coeur du cadre, un dispositif typique de l'esthétique cyberpunk: un hologramme. Il est ici réduit à une bulle, mais on l'aura vu auparavant occuper tout l'espace de l'écran, dissimulant sa nature et se substituant à la réalité. C'est d'ailleurs ainsi que les spationautes ont été trompés et, séduits par l'irréel décor d'opéra italien qu'il découvrent à l'intérieur, se sont laissé aller à pénétrer trop profondément dans un piège. L'inspiration de Morimoto s'appuie ici sur une très belle association thématique: au doute sur la réalité typique de l'anticipation cyberpunk s'ajoute la figure mythologique de la sirène, dont le chant sublime et irrésistible masque la monstruosité. Cette sirène de l'espace, c'est Eva Friedel, la chanteuse qu'on aperçoit au centre de l'image, dans une bulle- difficile de ne pas songer aux bulles-à-neiges souvenir.

                Et c'est justement de souvenir, de nostalgie, et de son revers, la hantise qu'il est question ici. Un double regard presque imperceptible. Car notre oreille charmée par le chant résonnant sur la très belle bande originale du film, force notre regard vers son origine, aimant de la scène, minuscule à l'image, mais occupant son centre. Et nous devenons incapables de voir le crâne se précipitant vers nous au premier plan. Pourtant, par la grâce du cinéma d'animation, qui permet de détailler précisément une silhouette le temps de 4 ou 5 photogrammes, nous ne voyons pas, mais nous percevons ce squelette de spationaute.

                Voilà comment, en s'appuyant sur les moyens propres au cinéma animé, Morimoto nous fait entrer, de façon presque subliminale, dans la subjectivité du personnage prisonnier de la scène. Incapable d'échapper au chant de la sirène, il va comprendre trop tard, tout en l'ayant senti, le danger qui le guette. Et nous avec lui.

                Ce danger, à l'image de ce squelette encore prisonnier de son scaphandre, serait donc la mort ? Pas seulement. Morimoto, jamais discursif, mais dans un grand geste poétique, enrichit le motif classique de l'espace meurtrier d'autres formes de menaces. L'oubli, la corruption, l'entropie, et la fatalité.

               

                L'oubli, à la fois ce qui motive et ce que redoute l'ordinateur à l'origine de l'hologramme de la diva Eva, visible en robe rouge, dans la bulle au milieu du plan. Car, on le découvrira plus tard, Eva est morte depuis des années, et c'est l'ordinateur central de la station qui poursuit la diffusion de son image et de sa voix, de son univers tout entier. Par crainte que la chanteuse disparaisse à jamais ? parce qu'elle l'a programmé pour le faire ? nous ne le saurons jamais.

                La corruption, malgré le programme de l'ordinateur, a envahit le monde d'Eva: fleurs se fanant, des objets perdant de leur substance et traversant les scaphandres des visiteurs, ici le décor qui s'efface et s'écroule. Cela nous évoque la nature terriblement humaine de ces souvenirs projetés-pourtant entretenus par des machines: voués à disparaître, perdant de leur force avec le temps, guettés par l'entropie.

                On reconnaîtra là la patte de Katsuhiro Otomo, ordonnateur du film contenant Magnetic Rose, et auteur du manga d'où l'histoire est tirée, tout comme on aura reconnu dans les motifs précédents- la diva, le jeu entre l'illusion et le réel, celle de Satoshi Kôn, futur réalisateur génial de Perfect Blue, Tokyo Godfathers ou Paprika. Mais ce plan porte la signature d'Otomo: le décor s'écroulant sous son propre poids, ces puissantes pulsations le déformant, le rendant flou, le changeant, on les retrouve dans tous ces films. Pas étonnant qu'Otomo ai trouvé dans le dessin-animé son mode d'expression idéal, tant son processus intrinsèque lui correspond: le devenir de tout trait, dans l'animation est le changement, la déformation, la transformation. Souvenons nous d'ailleurs que les premier cartoons reposaient entièrement sur l'épuisement de ce principe: personnage étiré, rétréci, compressés, allongés, changés...

                Un ordinateur central s'imaginant doté de conscience, deux spationautes perdus, dont l'un ne survivra pas, perdus dans l'espace, y découvrant un monde aux allures de palais de la Renaissance fantasmé, des ballets spatiaux organisés par une musique classique: il est évident que Magnetic Rose s'est épanoui dans l'ombre portée de 2001 odyssée de l'espace. Mais Morimoto s'empare du film de Kubrick comme d'une pièce de répertoire, et en donne une interprétation magnifique, comme le ferai un grand interprète. Ou une géniale diva.